Коллекция русского дореволюционного искусства

Переходная галерея соединяет основное здание музея с пристроем. В конце его — дверь, ведущая в экспозицию русского дореволюционного искусства. Она располагается в анфиладе, состоящей из трех небольших залов. В оформлении их интерьера стилизованно использованы черты усадебной архитектуры XVIII — начала XIX века.

Коллекция русского дореволюционного искусства музея немногочисленна. Она насчитывает около 350 произведений. Постоянная экспозиция включает в себя свыше 80 работ.

Ее открывает искусство XVIII века. Живописное наследие мастеров этого периода велико и многообразно. В залах музея оно представлено в основном портретами неизвестных, но талантливых мастеров.

Портреты "Дама в синем", "Великая княгиня Мария Федоровна (1759-1828)" не установленных авторов, "Неизвестный офицер с орденом Георгия IV-й степени" Е. Д. Камеженкова (1760-1818) живо и непосредственно рассказывают о людях XVIII столетия.

Эпоха Отечественной войны 1812 года нашла отражение в портрете "Барон Г. В. Жомини" (1820-е годы). Кисть безымянного мастера запечатлела благородный облик военного, полный романтической взволнованности и внутренней энергии. До 1812 года Жомини был начальником штаба армии французского маршала Нея; во время похода в Россию — назначен Наполеоном Виленским, а потом смоленским губернатором. В 1813 году он — видный военный историк и теоретик — очутился на русской службе; являлся участником сражения под Кульмом и Лейпцигом в качестве военного советника.

Искренен и правдив по своей характеристике "Мужской портрет" (1820) И. Смирновского (до 1783-1825?), художника-белоруса, чье творчество тесно связано с русской художественной школой и развивалось в общем, русле портретного искусства этого времени. Занимательность сюжета характерна для картины Алексея Васильевича Тыранова (1808-1859) — ученика А. Г. Венецианова — "Мальчик, пускающий мыльные пузыри" (1856?). Художник тепло и убедительно написал образ деревенского паренька, занятого немудреными детскими забавами.

С искусством второй половины XIX века зрителей знакомят произведения художников академического направления и "поздних" передвижников.

Украшением экспозиции является полотно И. К. Айвазовского (1817-1900) "Море на фоне гор" (1880) и один из редких жанровых пейзажей И. И. Шишкина (1832-1898) "В лесу" ("Из леса с грибами", 1883), в котором присутствует изображение человека.

Широкая демократизация русского искусства и его активная роль в общественной жизни отразилась и на развитии этого жанра: ушла в прошлое традиция видеть природу очищенной от повседневности, пейзажный образ стал наделяться настроениями, присущими человеку.

А. К. Саврасов (1830-1897) был основателем и одним из ярких представителей лирического пейзажа в русском искусстве. Неброский мотив, взятый из жизни, Саврасов умел возвысить до большого образного звучания, увидеть русскую природу в национальном своеобразии ее облика.

Полотно "Сельский вид с болотцем" относится к позднему периоду творчества художника.

Здесь нет ни сложной композиции, ни эффектного освещения, самый, что ни на есть, прозаический вид наполнен подлинной поэзией бытия.

Проникновенно бережное отношение к природе, глубоко прочувствованное ощущение мотива было свойственно творчеству А.Л. Боголюбова (1824-1896). "Пейзаж с парусником" (1867), написанный художником во Франции, изображающий берег моря близ небольшого нормандского городка Порник, проникнут внутренним движением.

Приморские виды принесли славу и Л. Ф. Лагорио (1827-1905). В понимании цвета, рисунка и композиции он был верен академическим традициям. Картина "Рыболовецкие тони" (1875) написана по заказу цесаревича Александра Александровича и изображает конкретное уголок под Петербургом, любимое место отдыха жителей северной столицы.

Пейзажное творчество Н. Н. Хохрякова (1857-1928) развивалось в русле позднего передвижничества. Живописные достоинства его произведений открываются зрителю не сразу, в них надо долго вглядываться. В природе Хохряков выбирал самые непритязательные мотивы, изображая тихие северные деревеньки, луга. Уважением к натуре, чувством Родины проникнут пейзаж "Деревня", написанный в монохромной колористической гамме.

Портретный жанр второй половины XIX века представлен работами А.И. Корзухина, Н.А. Кошелева. Задушевностью и простотой веет от портрета "Императрица Мария Федоровна" (нач. 1880-х гг.), исполненного Н. А. Кошелевым (1840-1918) — известным мастером росписей на религиозные темы. Перед нами не холодная надменная красавица, а интеллигентная просвещенная женщина, основательница Мариинских женских гимназий в Петербурге. Также мягок и обаятелен женский образ, созданный Корзухиным (1835-1894), изображающий даму с орденом Святой Екатерины.

Художественная жизнь рубежа XIX и XX веков — явление сложное и противоречивое. Это время напряженных творческих исканий, возникновения художественных различных группировок и формирования ярких индивидуальностей. Новые тенденции проявились достаточно полно в пейзажном жанре. Стремление к красоте, к "отрадному" характерно для живописцев, входящих в "Союз русских художников", чье творчество представлено довольно полно в экспозиции музея. Постоянными и активными экспонентами союза были П. И. Петровичев, Л. В. Туржанский, М. Х. Аладжалов, близок им по характеру своего искусства В. К. Бялыницкий — Бируля.

Прекрасным колористом, блестящим мастером живописного этюда был Константин Алексеевич Коровин (1861-1939). С его именем обычно связывается представление о русском импрессионизме. Этюд Коровина "Гурзуф" (1911) написан легко и свободно. Улочка ночного Гурзуфа под южным небом, темные силуэты домов, яркие всполохи света в окнах и огненные языки пламени переданы чрезвычайно темпераментно, уверенными динамичными мазками.

Из зала русской живописи зрители попадают в зал графики. Искусство гравюры XVIII столетия представлено работами крупнейших мастеров эпохи: И. А. Соколова, Е. П. Чемесова, А. В. Егорова, С. Ф. Галактионова. Видное место среди граверов-портретистов XVIII века принадлежит Е.П. Чемесову (1737-1765), уроженцу нашего края. Исполненный им портрет выдающегося деятеля русского театра Ф. Волкова (с оригинала А. П. Лосенко) отличается глубиной и задушевностью. Блестящее мастерство И. А. Соколова (1717-1757) в полной мере сказалось в листах "шествий", гравированных им для альбома "Описания коронации Елизаветы Петровны" (1744). Из класса ландшафтной гравюры Академии художеств вышли А.Е. Мартынов (1768-1826) и С.Ф. Галактионов (1779-1854). Подлинную славу принесли им пейзажные гравюры с видами Петербурга и его окрестностей. Крупнейший портретист первой половины XIX века О.А. Кипренский (1782- 1836) нередко выступал как мастер карикатурного шаржа-портрета, рисовал "грифонажи" — наброски пером в гротескной манере. В экспозици

и представлено исполненное им изображение одного из старейших и популярнейших русских актеров И.А. Дмитриевского.

В 1871 году в Петербурге возникло "Общество русских аквафортистов", куда вошли известные русские художники-передвижники. Члены этого общества обращались к офорту с целью воспроизведения своих картин. В экспозиции представлены офорты И. И. Шишкина, И. Е. Репина, В. Е. Маковского, В. Д. Поленова.

Тщательная, чеканная, почти ювелирная техника отличает произведение В.Е. Маковского (1846- 1920) "Портрет И. М. Прянишникова" (1896). Офорт И. Е. Репина (1844-1930) "Смех в верхнем ярусе театра" относится к первым опытам художника на пути освоения этого вида графики. Много работал в гравюре И. И. Шишкин (1832-1898). В его офортах точно, с большой любовью изображена русская природа.

В конце XIX века большую роль в развитии русской гравюры играл В. В. Матэ (1856-1917). Он создал многочисленные портреты деятелей русской культуры, в том числе и превосходный офортный портрет И. И. Шишкина (с оригинала И. Н. Крамского). Большим мастером репродукционной гравюры был И. П. Пожалостин (1837-1909), о чем свидетельствует его гравюра "Испытание силы Яна Усмаря" (с оригинала Г. И. Угрюмова), посвященная одному из эпизодов жизни Древней Руси и рассказывающая о том, как киевский князь Владимир накануне битвы с печенегами испытывал силу юноши-кожемяки Яна Усмаря, который стал впоследствии героем поединка.

Превосходно владел различными техниками гравирования В. А. Серов (1865-1911). К шедеврам русской графики принадлежат его иллюстрации к басням И. А. Крылова.

Много работали в области цветного эстампа ученики В. В. Матэ — А. П. Остроумова — Лебедева и В. Д. Фалилеев.

Вдохновенный образ родного города Петербурга встает в работах А. П. Остроумовой — Лебедевой (1871-1955). Виртуозно исполненные в технике цветной ксилографии, они изображают старинные ансамбли, парки и набережные прекрасного города на Неве.

Особое место в разделе русской графики занимают произведения Вадима Дмитриевича Фалилеева (1879-1950), детство и отрочество которого прошло в Саранске. Фалилеев первым раскрыл в цветной гравюре красоту и поэзию русского сельского пейзажа, пафос крестьянского труда. Он любил изображать необычные "романтические" состояния, эффекты освещения, его захватывала природа, исполненная неукротимой бурной силы.

Настроение тишины и покоя ощущается в гравюре "Спящий кучер" (1905). Ослепительное полуденное солнце, разбрызгивающее потоки лучей на ржаное поле, дорогу и идущих по ней крестьян, мастерски передано в листе "Спелая рожь" (1917). Мощь и красота природы раскрыты с предельной ясностью и лаконизмом в гравюре "Белое облако" (1905).

Тематически к цветным гравюрам Фалилеева примыкают его офорты. Художник много и упорно работал в этой технике, виртуозно владел сухой иглой и акватинтой. Богатством тональных отношений, свободой и пластичностью рисунка отличаются листы "Я и Катя" (1909), "Покраска баржи", "Колокола в церкви Воскресения в Ярославле" (1915).

В летопись истории нашего края прочно вошло имя академика портретной живописи Ивана Кузьмина Макарова (1822-1897). Его творчеству в разделе русского дореволюционного искусства посвящен отдельный зал.

Иван Кузьмич Макаров родился в Саранске в семье учителя рисования. Первоначальное художественное образование он получил в Саранской живописной школе, основанной его отцом Кузьмой Александровичем Макаровым. Одно из ранних произведений художника, представленных в экспозиции, полотно "Две молодые мордовки" (1842). Оно писалось под руководством отца как учебное задание и явилось итогом завершения учебы в школе.

Картина исполнена добротно, мастерски и лишена того отпечатка ученичества, который почти обязательно отличает первые работы каждого художника. Образы юных мордовок пленяют нас своей простодушной целомудренностью. В их спокойных красивых лицах есть своя значительность, органическое сочетание простоты и внутреннего достоинства. Автор достигает колористического единства всего холста, который выстроен на сочетании теплых коричневато-охристых и белых тонов. Он тщательно выписывает декоративное убранство национальных одежд, передавая фактуру предметов: металлический блеск браслетов, бархатистость плотной, ковровой вышивки на рубахах, словно бы кропотливо повторяя стежок за стежком.

Любовное отношение к натуре, стремление сделать "низкий" предмет объектом высокого искусства роднит это произведение с картинами художников школы Венецианова. Именно это полотно открыло Макарову путь в профессиональное искусство. В 1842 году Совет Императорской Санкт-Петербургской Академии художеств присвоил ему за картину "Две молодые мордовки" звание не классного художника.

Знания и художественные навыки, полученные И. К. Макаровым в Саранской живописной школе, позволили ему поступить в 1845 году в Академию художеств. Первые два года он занимался у профессора исторической живописи А. Т. Маркова.

Годы напряженного труда, непрестанное совершенствование мастерства под руководством опытных педагогов сформировали художника-портретиста, своими работами быстро снискавшего известность не только в Санкт-Петербурге, но и далеко за его пределами.

Произведений Макарова раннего периода творчества до нас дошло незначительное количество. Среди них два этюда: "Портрет мальчика-итальянца" и "Итальянка на балконе", исполненные художником в 1853-1855 годах во время пребывания в Италии, сохранившие свежесть и непосредственность впечатления.

Все портреты художника зрелого периода творчества можно условно разделить на две большие группы: камерные и парадные. В камерных портретах Макаров не уделяет внимания элементам формального украшательства, стремясь точнее передать внешнее сходство и общее душевное состояние модели. В портрете "А. Д. Соломирская" (1850-е гг.), живопись которого состоит из полупрочразных, излучающих внутренний свет тонов, ощущается благоговейное преклонение автора перед красотой, нежной душой и нравственным совершенством женщины.

Мимолетное и хрупкое обаяние модели передано художником в "Портрете Вишнюковой" (1850-е гг.), в котором предстает образ цельный, чистый, лишенный кокетства, полный трогательной грусти.

Типичным образцом парадного портрета может служить "Портрет семьи Черемисиновых" (1882). Своих героев художник изображает в момент прогулки, на фоне пейзажа. Следуя желанию заказчика, он уделяет большое внимание написанию костюмов и всевозможных аксессуаров.

Среди творческого наследия Макарова много детских портретов, что объяснялось не только характером заказов, но и желанием самого живописца, который очень любил детей. В экспозиции представлены этюдные портреты детей художника — Кати и Нюты.

Успех сопутствовал художнику всю его долгую творческую жизнь. Современники считали его достойным продолжателем традиций великого Карла Брюллова. Самыми известными произведениями И. К. Макарова являются портреты членов семьи А. С. Пушкина — жены, дочерей Натальи и Марии, сына Александра, которые хранятся в музеях Москвы, Санкт-Петербурга и других городов. Большинство из имеющихся в собрании музея работ живописца подарено в 1971 году внуком художника И.К, Макаровым (1896-1976).